L'arte in Italia, durante il I millennio a.C., risente molto delle superiori civiltà del Mediterraneo soprattutto quella greca e quella fenicia.

Arte protocristiana, preromanica, romanica

Il primo esprimersi di un'arte italiana fu nella scultura e nella pittura delle catacombe. Dopo il 313, la funzione di complesso architettonico cristiano per eccellenza, destinato alla riunione dei fedeli e alla glorificazione di Dio, fu assunto dalla basilica, le cui forme strutturali derivarono dal mondo ellenistico-romano, come nelle basiliche romane di Santa Maria Maggiore e Santa Sabina. Le primissime manifestazioni del romanico in Italia riguardano il paramento esterno della costruzione, articolato e sensibilizzato da lesene, arcature cieche e archetti, in modi decorativi che, elaborati da maestranze comasche, si diffusero ovunque in Europa. La grande novità costruttiva del romanico italiano è però l'impiego sistematico del costolone. Esempio principe del compatto organismo romanico è il rifacimento, intorno al 1080, della basilica di Sant'Ambrogio a Milano. A Venezia la chiesa di San Marco, consacrata nel 1024, a croce greca, ispirata alla costantinopolitana chiesa dei Santi Apostoli, innalzò sontuosamente gli spazi cavi delle sue cupole rivestite di ori e di mosaici. Personalità dominanti della scultura dell'epoca furono Wiligelmo, diffusore di modi plastici sensibili agli influssi dell'arte borgognona, e Benedetto Antelami, autore della Deposizione (1178) nel duomo di Parma.

Il Duecento e il Trecento                                                                                       

Questo lungo periodo è caratterizzato dall'assorbimento e dall'elaborazione dei modi stilistici del gotico, penetrati in Italia al principio del XIII sec. con i monaci cisterciensi. Il monumento più famoso dell'ordine è San Francesco ad Assisi (iniziato da frate Elia) che nella chiesa superiore accoglie le storie del santo affrescate da Giotto. A Firenze le grandi chiese degli ordini mendicanti, Santa Maria Novella, domenicana, e Santa Croce, francescana, inscrivono il luminoso spazio interno, uniformemente dilatato, nelle strutture lineari degli altissimi pilastri e delle ampie arcate; ma ancora più solenne è la cattedrale di Santa Maria del Fiore, nella quale, alla fine del XIII sec., lavorò Arnolfo di Cambio. Una preziosità senza pari, in forme slanciate e pittoresche, si riflette nelle originali architetture tardogotiche veneziane: la Ca' d'oro e il Palazzo Ducale, con il loro gioco dei colori sull'ombra nera di archi, portici e gallerie. Lo scultore Nicola Pisano creò tra il 1255 e il 1260 il pulpito del battistero pisano. Dalla bottega di Nicola e con la sua collaborazione uscirono il pulpito del duomo di Siena, l'arca di San Domenico (1264-1267) nella chiesa dedicata al santo a Bologna e la Fonte maggiore di Perugia. Il più grande degli scolari di Nicola fu il figlio Giovanni, temperamento artistico diversissimo, aperto al flusso vitale della civiltà gotica e sempre originalissimo nell'espressività delle figure in sé concluse della facciata del duomo senese e nei vivi, violenti, drammatici rilievi dei pulpiti di Sant'Andrea a Pistoia e del duomo di Pisa. Negli ultimi decenni del XIII sec., sorgendo dal neoellenismo bizantino, si andò affermando una civiltà pittorica italiana con il fiorentino Cimabue e con il romano Cavallini. Una diversa generazione di pittori iniziò con Giotto. La sua limpida rappresentazione della realtà segna alfine il pieno distacco dalla civiltà medievale e l'abbandono delle formule bizantine. Il senese Simone Martini ebbe dell'arte gotica il senso elegante dei miniatori francesi. Simone accolse le grandi novità del linguaggio giottesco, capaci di esercitare viva suggestione su un altro grande pittore senese, Pietro Lorenzetti, che lavorò anche in collaborazione con il fratello Ambrogio, autore delle famose allegorie del Buono e del Cattivo Governo nel Palazzo Pubblico di Siena, dove fece le sue prime prove la pittura italiana di paesaggio.

Il Quattrocento

Il fermento della civiltà artistica quattrocentesca, strettamente legata alla cultura umanistica, comincia a Firenze, centro di irradiazione del Rinascimento. Le vie maestre dell'architettura furono indicate dal Brunelleschi e dall'Alberti. Capolavoro del Brunelleschi la cupola di Santa Maria del Fiore, innalzata a partire dal 1420 senza supporti esterni, energica e armoniosa. I primi studi di Leonardo sul tema della pianta centrale nacquero nello stesso giro di anni, segno di un comune convergere della visione architettonica. Diresse la decorazione della fastosa reggia urbinate dei Montefeltro, dal 1477, Francesco di Giorgio Martini, senese, pittore, scultore, architetto e costruttore di fortezze. Bramante impose il vero gusto classico in Lombardia con i volumi armoniosi della chiesa di Santa Maria presso San Satiro e del coro e cupola di Santa Maria delle Grazie a Milano. La prima scultura veramente rinascimentale è il San Giorgio di Donatello, per Orsammichele (Firenze, Museo del Bargello). L'influenza esercitata dalla visione di Donatello e dal carattere interiore della sua arte fu grandissima, e non soltanto per la scultura. L'arte di Andrea Verrocchio, grandissimo bronzista e continuatore dei princìpi di Donatello, è la sintesi più completa del clima artistico fiorentino nell'ultimo quarto del secolo. La pittura rinascimentale nacque a Firenze nella cappella Brancacci al Carmine: pochi metri quadrati di affresco nei quali, con la sapiente prospettiva e il gioco della luce, Masaccio rinnovò l'arte grandissima di Giotto. Il breve ciclo, dominato dal Tributo della moneta, aprì la via a tutti gli orizzonti della pittura secondo due indirizzi. Il primo, attraverso il Beato Angelico e Paolo Uccello, interpretò Masaccio nei modi che, attraverso Domenico Geneziano, sfociarono in Piero della Francesca, nella sintesi spazio-colore del suo ciclo di affreschi con la Leggenda della Santa Croce (terminati nel 1460 nella cappella maggiore di San Francesco ad Arezzo). Con Filippo Lippi e, in parte, Andrea del Castagno l'altro indirizzo innestò nella forma masaccesca il linearismo donatelliano e trovò il filo che guida alle elegie pagane del Botticelli (Primavera, Nascita di Venere, Pallade doma il centauro) e alle ricerche espressive del Pollaiolo e del Verrocchio. Tra i più giovani artisti che frequentarono la bottega di Andrea del Verrocchio, fu anche Leonardo. Uno splendore senza precedenti la pittura conobbe anche a Mantova con Andrea Mantegna, creatore di forme solide e compatte in uno stile severo, plastico, con scorci sapienti e lussuosi apparati archeologici, come nella grandiosa abside di fronde e di gemme della Madonna della Vittoria (Louvre). La corte estense ospitando a Ferrara, fra il 1430 e il 1450, artisti quali Pisanello, Iacopo Bellini e Piero della Francesca, preparò le condizioni allo sviluppo di una originale scuola pittorica, aperta anche alle forti suggestioni della cultura mantegnesca e padovana. Giovanni Bellini si rivolse verso l'arte semplice, serena, della calda atmosfera coloristica e tonale che gli è propria.

Il Cinquecento

Roma visse nel XVI sec. un periodo di grande splendore artistico. L'architettura inizia con il tempietto di San Pietro in Montorio di Bramante. Egli affermò la nuova classicità nei progetti del cortile del Belvedere e soprattutto della nuova basilica di San Pietro in Vaticano. Nel 1546, ebbe inizio l'attività architettonica di Michelangelo, in una temperie dominata dai problemi espressivi della Controriforma, in quel rinnovarsi della coscienza artistica che viene chiamato manierismo. Nelle altre regioni italiane la divulgazione dello stile romano e del manierismo giunse a originali interpretazioni a Firenze con il Vasari (palazzo degli Uffizi) e con l'Ammannati (cortile di palazzo Pitti aperto sul giardino di Boboli), a Genova con Galeazzo Alessi (villa Cambiaso), autore anche del palazzo Marino a Milano. A Venezia l'architettura cinquecentesca si impose con Jacopo Tatti detto il Sansovino. Creatore di un particolare umanesimo fu invece, nel Veneto, Andrea Palladio, che trasfigurò in una personale visione di colore l'arte classica, il senso di proporzione del Brunelleschi, quello delle masse di Leon Battista Alberti e il valore spaziale di Bramante, dando un'impronta eterna a Vicenza con il palazzo Chiericati, la basilica, il Teatro Olimpico, la loggia del Capitanio, la Rotonda. La scultura del XVI sec. è dominata da Michelangelo. È tuttavia impossibile separare in Michelangelo le due attività di scultore e pittore. I progetti per il mausoleo di Giulio II e la volta della Cappella Sistina, terminata nel 1512, davano già chiara l'idea di come Michelangelo sapesse esprimere la sua potente drammaticità attraverso le figure. Nella scultura del XVI sec. occupano un posto considerevole anche Benvenuto Cellini, inarrivabile orafo oltre che scultore, e il Giambologna, la cui arte toccò con raffinata eleganza tutti i temi cari al classicismo intellettualistico dei manieristi fiorentini. Erede delle aspirazioni artistiche del Quattrocento, Leonardo le trascese in unità e iniziò la nuova visione pittorica del Cinquecento. Architetto, scultore, pensatore e scienziato, egli dà con la sua pittura anche l'idea della vastità dei suoi interessi dottrinali, dall'Adorazione dei Magi, al Cenacolo, alla Gioconda, alla Sant'Anna.

L'idealismo universalistico del secolo caratterizza la pittura di Raffaello. L'essenza classica della sua arte si manifesta nella decorazione della Farnesina, con la Galatea, nei ritratti di Leone X e Baldassare Castiglione, nei quadri sacri. L'influenza alterna di Raffaello e di Michelangelo si espresse variamente nel manierismo dei seguaci, il più geniale dei quali, Giulio Romano, tentò una sintesi delle due visioni e creò il suo capolavoro a Mantova nel palazzo del Te. Voluttuoso nella decorazione della volta del convento di San Paolo a Parma, il Correggio creò visioni di luce dorata dissolte in movimenti luminosi nelle cupole di San Giovanni Evangelista e della cattedrale, rispettivamente con l'Assunzione e l'Ascensione, e un capolavoro di modernità compositiva nella Natività, nota come la Notte di Dresda. A Venezia, Giorgione suggellò nel primo decennio del secolo in unità di visione atmosferica i valori del colore e della luce veneziana, attuando la riforma della pittura tonale e creando l'espressione di un'umanità e di una poesia nuove in una natura nuova. L'eredità di Giorgione fu raccolta da Tiziano, trionfatore del Cinquecento veneziano nell'Assunta, nella Pala di Ca' Pesaro, nei Baccanali. La cultura manieristica si inserisce nell'opera del Tintoretto, creatore del ciclo della scuola di San Rocco, del Bassano dalla pennellata modernissima, del Veronese, che è la «palladiana» conclusione del linguaggio pittorico veneto del Cinquecento negli affreschi di Maser, nei quadri mitologici, nei ritratti.

Il Seicento e il Settecento

La visione plastico-monumentale del tardo Cinquecento romano fu trasformata dall'esuberante fantasia del Bernini, uno dei creatori in campo scultoreo e architettonico del barocco. La straordinaria fantasia dell'artista si espresse nel palazzo Barberini, in Sant'Andrea al Quirinale, nella Scala regia in Vaticano, dando la piena misura di sé nella sistemazione di Piazza San Pietro. Nella scultura, l'ultimo manierismo cinquecentesco si era manifestato con Pietro Bernini e con Francesco Mochi. Il nuovo senso plastico di Gian Lorenzo Bernini, aperto allo spazio e all'atmosfera, si espresse nell'Apollo e Dafne e nel David della Galleria Borghese. Immenso fu il fermento suscitato dall'apparire del Caravaggio a Roma. L'importanza della sua rivoluzione luminosa trascende i limiti della sua epoca: due secoli di pittura europea sarebbero addirittura inconcepibili senza di lui. Il linguaggio formale dell'architettura del Settecento, definito con il termine di rococò, è caratterizzato dalla grande importanza degli interni e dalla ricchezza delle decorazioni pittoriche e scultoree. La disposizione delle pareti, che accetta, pur semplificandolo, il movimento barocco, suggerisce la vaga impressione classicistica della reggia di Caserta, capolavoro di Luigi Vanvitelli. Filippo Juvara (o Júvarra) e l'architetto più insigne del secolo, originario di Messina ma operoso soprattutto a Torino, dove la facciata di palazzo Madama, del 1718, è la più originale versione settecentesca dei principi barocchi. In pittura la visione dei veneziani, Sebastiano Ricci e Piazzetta, riscopritori, del colore chiaro e vaporoso del Veronese, è alla base dello stile di Giambattista Tiepolo,

genio delle decorazioni auliche, monumentali e in questo senso ancora tardobarocche del palazzo Labia e della chiesa degli Scalzi a Venezia, della villa Pisani a Stra, del duomo di Udine. Il Canaletto e il Guardi portarono al più alto livello la pittura di veduta e il capriccio.

Dal neoclassicismo al Liberty

Il profondo mutarsi del costume e del pensiero coincise, nell'ultimo quarto del XVIII sec., con la nascita del neoclassicismo, che oppose all'ultimo barocco, per un'esigenza di semplicità e schiettezza, la ricerca di una classica bellezza ideale. Architetto insigne fu Giuseppe Piermarini, operoso nella Milano di Maria Teresa che egli rinnovò con gli armonici volumi dei suoi edifici: palazzo Belgioioso, teatro alla Scala, Villa Reale di Monza. Genio della scultura neoclassica fu Antonio Canova, che riflette il nuovo senso della vita e della storia e la nuova concezione della forma in opere che trascendono i moduli classici (Paolina Borghese). Il maggiore architetto del periodo romantico fu Alessandro Antonelli, tecnico audace, autore dell'arditissima Mole di Torino. L'ecclettismo, che caratterizza la seconda metà del secolo, è palese in scultura, dal Sarrocchi al retorico Giovanni Dupré, a Carlo Marocchetti. In pittura la pretesa rivoluzione romantica, che fu detta la «rivoluzione dei trovarobe», ebbe in Francesco Hayez il suo vessillifero. Degni di menzione sono il movimento dei macchiaioli, rinnovamento spirituale e tecnico, antiaccademico, promosso da Serafino De Tivoli e i pittori della scapigliatura lombarda.

Nel XX sec., in ritardo rispetto al resto d'Europa, si affermarono in Italia le nuove tendenze floreali o Liberty con Ernesto Basile, Raimondo D'Aronco, Giulio Arata e persino Antonio Sant'Elia, che doveva precorrere nei disegni futuristi la città nuova. Fra le due guerre le più nobili opere dell'architettura razionale furono realizzate da Giuseppe Terragni e da Giuseppe Pagano. Nella scultura un eccezionale tecnico del marmo, quale Adolfo Widt, da inizi simbolisti e floreali, giunse a un suo originale espressionismo. Primo grande maestro della pittura del Novecento fu il livornese Amedeo Modigliani, attivo a Parigi accanto agli artisti francesi d'avanguardia, pressappoco negli anni in cui i futuristi esaltavano la simultaneità e il ritmo del movimento, e nascevano i capolavori di Boccioni, allievo di Giacomo Balla, e quelli di Gino Severini, creatore del Geroglifico dinamico del Bal Tabarin. Geniale creatore della pittura metafisica fu Giorgio De Chirico. Altrettanto corposa, violenta, la tavolozza di Renato Guttuso, il maggior pittore figurativo contemporaneo, autore di prestigiosi ritratti.

L'arte contemporanea